DIANA KRALL

Nuevo disco a punto de salir de Diana Krall. Será el próximo 31 de marzo y se llama Quiet Nights. Lo edita Verve. Se trata de un álbum romántico que combina conocidas canciones de Bossa Nova de Antonio Carlos Jobin tales como Corcovado (llamada aquí Quiet Nights), The Boy From Ipanema o So Nice, con canciones como How Can You Mend A Broken Heart de los Bee Gees, o Walk On By de Burt Bacharach, o estandars americanos como Where Or When o Too Marvelous For Words, entre otras.

Desde 2006 no editaba un álbum de estudio siendo este ya el 12º de su carrera. El disco cuenta con arreglos orquestales a cargo de Claus Ogerman, que colaborara con ella en el afamado álbun The Look Of Love en 2001. Se puede escuchar un anticipo en su página oficial. La verdad es que pinta muy muy bien este disco.

http://www.dianakrall.com/

Mientras sale el disco os dejo una canción de ella para disfrutarla. Se trata de Narrow Delaight de su álbum anterior.

STEVE EARLE

El próximo 10 de marzo sale una reedición del directo en la BBC Radio 1 que Steve Earle grabó el 28 de noviembre de 1988 en The Town & Country Club, Londres. Hay una edición anterior del año 1992, y esta nueva incluye cuatro canciones más. Este es el Tracklist:

1. Copperhead Road

2. San Antonio Girl

3. Even When I'm Blue

4. My Old Friend The Blues

5. Someday

6. The Devil's Right Hand

7. Down The Road

8. Snake Oil

9. Johnny Come Lately

10. When Will We Be Married?

11. Little Rock `n' Roller

12. Dead Flowers

13. My Baby Worships Me

14. Fearless Heart

15. Good Ole Boy

16. Hillbilly Highway

17. I Love You Too Much

Actualmente se encuentra grabando un nuevo álbum de estudio que pretende ser un homenaje a Townes Van Zandt, al que admira hasta tal punto que su hijo se llama Justin Townes Earle. En su myspace ha colgado un anticipo de lo que será este álbum, concretamente las canciones Pancho and Lefty y Lungs.

http://www.myspace.com/steveearlemusic

GENE CLARK & CARLA OLSON

En 1987 dos talentos se unen casi por casualidad en unas sesiones en un salón preparando otros proyectos. Hablo de Gene Clark y Carla Olson. Hubo un feeling espontaneo. La fuerza y estridencia de la voz de Olson arropa a un Clark emotivo y con apariencia de llevar el mundo a cuestas. El efecto es impresionante.

El resultado fue el álbum So Rebelious A Lover (Razor & Tie - 1987). Ambos ponen la carne en el asador en este proyecto y nos encontramos canciones de Olson como The Drifter o Are We Still Making Love. Clark contribuye con una de sus mejores y últimas composiciones, Gypsy Rider, una canción con multitud de matices que podría considerarse autobiográfica. Incluso hay una espectacular versión de Almost Saturday Night de John Foggerty. Acompañan en el disco unas colaboraciones de primera como Chris Hillman a la mandolina o Stephen McCarthy a la lap steel y el dobro.

Fue el único album de estudio que grabaron juntos. Hay varios conciertos por ahí de los dos juntos en los que queda patente ese feeling que había entre ambos. La grandeza de este disco no sólo está en lo que quedó sino en lo que pudo venir después si en 1991 no hubiera fallecido Gene Clark.

THE LITTLE WILLIES

Cinco amigos, envueltos en proyectos por separado, deciden juntarse y se forma The Little Willies en 2003. El grupo lo componen nada más y nada menos que Lee Alexander al contrabajo, Norah Jones al piano y voces, Richard Julian a la guitarra y voces, Dan Reiser a la batería y Jim Campilongo a la guitarra. Empezaron haciendo actuaciones privadas en un salón de Nueva York con versiones de sus clásicos americanos favoritos como Hank Williams, Willie Nelson o Kris Kristofferson. Consideraron grabar un álbum en directo pero finalmente deciden hacerlo de estudio para Milking Bull Records entre 2003 y 2005 resultando este disco homónimo que verá la luz en 2006.

Se trata de una colección de versiones country y alguna composición de ellos. Nos encontramos clásicos como I'll Never Get Out Of This World Alive de Hank Williams, No Place to Fall de Townes Van Zandt, Best of All Possible Worlds de Kris Kristofferson, Streets Of Baltimore que cantara Gram Parsons, I Gotta Get Drunk de Willie Nelson, Love Me que cantara Elvis Presley, Tennessee Stud de Driftwood y Roly Poly de Bob Wills.

El disco es cálido y agradable, sin muchas pretensiones, pero en el álbum queda patente que estos músicos se estaban divirtiendo en las sesiones y el resultado es espectacular. Un disco para escuchar y disfrutar de la clase de todos estos músicos sonando como una auténtica banda compacta. Imprescindible.

ODESSA

Se acaba de reeditar le disco Odessa de The Bee Gees en una edición espectacular. 3 CD's, el primero con el disco en estéreo, el segundo con el disco en mono y el tercero con bocetos y grabaciones preliminares de canciones del álbum. Lo mejor de todo, la presentación en una cajita, como no, forrada en terciopelo como la edición original del álbum en 1969.

Odessa es seguramente el mejor álbum de The Bee Gees de los años 60's, y considerado uno de los mejores álbumes British Pop de la época. Repleto de elegantes joyas pop barrocas rozando estilos como el gospel o el country. Canciones como Melody Fair que responde a las típicas estructuras vocales que llenarían su carrera, o los siete minutos de canción que da título al álbum, que cuenta la epopeya del hundimiento de un barco, llena de cambios de textura, tiempos y matices, una auténtica obra maestra. En registros country nos encontramos con la maravillosa Marley Purt Drive o Give Your Best. Más psicodélica tenemos Whisper Whisper, y destaca la interpretación vocal de Barry en la balada pop Sound Of Love, o la exitosa First Of May. Tres canciones más instrumentales fuertemente orquestadas adornan el disco confiriéndole un carácter único. Suddenly nos recuerda a los Moody Blues de la época.

La grabación del disco no estuvo exenta de desacuerdos. Originalmente pretendía ser un disco conceptual llamado Masterpieces y posteriormente The American Opera, pero diferencias entre Barry y Robin hicieron desistir del ambicioso proyecto resultando finalmente un álbum doble, quizá uno de los mejores de la época junto a The Beatles y Blonde On Blonde. De hecho tras la grabación, Robin abandonaría el grupo y no regresaría hasta dos años después.

Aquí pongo un enlace para poder comprar el disco...
http://www.cduniverse.com/productinfo.asp?pid=7810562

Y aquí, algunas canciones que he encontrado en la red...

Give Your Best



Melody Fair



First Of May

KIND OF BLUE

Kind Of Blue es el mejor disco de jazz de la historia. Puede sonar pretencioso o exagerado. Lo es. Es el mejor disco de jazz de la historia. Y no sólo porque sea el disco de jazz más vendido jamás. En Kind of Blue confluyen el genio de Miles Davis, la inteligencia de unas composiciones que Miles confió en sus músicos como un padre da unos consejos a unos hijos en los que confía. Kind of blue está en la cima del jazz.

Hace medio siglo, Miles Davis cambió la historia de la música con Kind of blue, un disco que acaba de alcanzar un inesperado número uno en España y cuyo aniversario se celebra este año con una edición especial del álbum. Kind of Blue ha sido considerado el disco más importante del jazz, una de las grandes obras de la música de todos los tiempos y un gran éxito comercial, con más de cuatro millones de copias vendidas desde su publicación en 1959.

"¿Cómo es posible llegar al estudio con lo mínimo y salir con algo eterno?", se pregunta el guitarrista Carlos Santana en el documental sobre la grabación del álbum incluido en la reedición que Sony-BMG pone a la venta la próxima semana en España.

Miles Davis (1926-1991) apenas tenía un esbozo de las canciones que pretendía grabar, pero para crear su obra maestra le bastaron diez horas, repartidas en dos sesiones celebradas el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959. El trompetista norteamericano estuvo acompañado por un grupo excepcional de músicos en aquellas sesiones que se celebraron en el estudio de Columbia en la Calle 30 de Nueva York. El estudio, ya desaparecido, había sido construido sobre una antigua iglesia armenia y sus salas de madera ofrecían una acústica extraordinaria. Acompañaron a Miles el legendario saxofonista John Coltrane y el contrabajista Paul Chambers, dos miembros del famoso quinteto que el trompetista había puesto en marcha a mediados de los cincuenta y con el que firmó una serie memorable de discos, iniciada con Round about midnight (1955). El equipo se completó con Julian "Cannonball" Adderley, en el saxo alto; Jimmy Cobb -el único miembro del grupo que vive aún-, a la batería; y Bill Evans -el único blanco de la banda-, al piano. El pianista Wynton Kelly colaboró en uno de los seis temas del álbum, el chispeante Freddie Freeloader.

La destreza de aquellos músicos y su inspiración en esas sesiones les permitió grabar en una sola toma cada una de las cinco piezas incluidas en el disco, algo que ya era inusual en aquella época. Los temas surgieron de la improvisación y de la experimentación con la música modal -basada en escalas-, técnicas que Miles ya había practicado en 1957 en la banda sonora de Ascensor para el cadalso, de Louis Malle, y en el álbum Milestones, un año después.

El resultado de Kind of Blue, una obra creada de principio a fin en el estudio de grabación, fue tan impactante que medio siglo después es aún objeto de debate entre aficionados y especialistas.
Aquel álbum no proponía una simple sucesión de canciones, sino un proyecto artístico completo: un viaje sonoro que comenzaba con el célebre So what y concluía con Flamenco sketches, un tema de influencias españolas.

El álbum conquistó las mentes inquietas de las clases medias de la época y dio una nueva dimensión al jazz. Cinco temas que aún hoy siguen sorprendiendo, que siguen siendo imitados, versionados, un disco que se regala y se disfruta; un icono, y no sólo del jazz: el cine ha usado a Miles y especialmente los temas de Kind of Blue en infinidad de ocasiones. Sin ánimo de ser exhaustivos, pongamos unos ejemplos: todo el mundo recuerda que el personaje de Julia Roberts en “Novia a la fuga”, regala al de Richard Gere un vinilo de Kind of blue, aunque el tema de Miles que suena en la película es It never entered my mind; So what suena en “Pleasantville” (1998) de Gary Ross, en “Bésame antes de morir” (1991) de James Dearden y en “Absolute beginners” (1986) con letra; podemos oír Blue in green en “Levity” (2003) de Ed Solomon; el personaje de Clint Eastwood, singular jazzmen, en “En la línea de fuego” (1993) en una escena del film deja las llaves junto a la portada de Kind of blue mientras se escucha All blues; Flamenco sketches está en la banda sonora de “Una historia del Bronx” (1993) dirigida por Robert de Niro, en la de “Sneakers: los fisgones” (1992) de Phil Arden Robinson y en “Basquiat” (1997). Casi todas son películas de los últimos quince años, lo que demuestra la vigencia del disco, aunque sólo sea como icono.

Pero su influencia alcanzó a otros géneros y se adelantó a los discos conceptuales publicados en los años sesenta, como el emblemático Sgt. Pepper's de los Beatles. El impacto de Kind of blue ha llegado a músicos de las últimas hornadas, como el rapero Q Tip, quien proclama que este álbum es "como la Biblia".

Contra todo pronóstico, el disco ha estrenado el año de su cincuenta aniversario colocándose al frente de la clasificación de iTunes España, un hecho insólito en un álbum de jazz instrumental. Este nuevo éxito se produce en vísperas de la llegada a las tiendas españolas de la edición conmemorativa de Kind of blue, aparecida hace ya unos meses en otros países.

So What



Freddie Freeloader



Blue In green



All Blues



Flamenco Sketches

SWEETHEART OF THE RODEO

THE BYRDS - SWEETHEART OF THE RODEO 1968

En Enero de 1968, después de publicar The Notorious Byrd Brothers y de la salida del grupo de David Crosby y Michael Clarke, los miembros que quedaron, Roger McGuinn y Chris Hillman, deciden seguir adelante. Como lider de hecho de la banda, McGuinn quiso que el grupo se expandiera alrededor de los géneros explorados en el álbum anterior, grabando un ambicioso doble álbum de música americana desde el Bluegrass, al Jazz culminando con el lado electrónico que exploraron en el Notorious. Para tal fin, McGuinn ficha un pianista para el grupo con trayectoria jazzística.

En el otro lado, Hillman (que provenía de una banda de raíces Bluegrass) vio la oportunidad clara de aumentar la influencia country en el grupo. Algunas composiciones suyas en Younger Than Yesterday y en Notorious... ya apuntaban esas maneras, con la colaboración de Clarence White (guitarrista pionero de Bluegrass) a la guitarra principal.

A finales del invierno de 1968, McGuinn había fichado a Kevin Kalley (primo de Hillman) como batería y a un Gram Parsons de 21 años para tocar el piano y la guitarra rítmica. Parsons, una figura marginal de la escena musical de L.A., y Hillman se conocían desde 1967, cuando su falso jazz al piano y su genial personalidad prendaron a McGuinn en una audición. Pronto se hizo patente que Parsons y Hillman querían grabar una mezcla de lo que ellos llamaban 'Cosmic American Music', un compendio de varias raíces, orientadas primeramente hacia el Honky Tonk Country Music pero también hacia el folk, el soul, R&B de los '50, el Rock And Roll y el Rock Contemporáneo. Siguiendo el camino marcado por Bob Dylan en el album John Wesley Harding, Parsons se empeñó en grabar el disco nuevo en la capital de la música country, Nashville.

Mientras McGuinn sentía que el nuevo desarrollo era atrevido, tenía reservas, pero pensó que teóricamente expandiría la decayente audiencia del grupo además le daría un nuevo empuje el hecho de tener nuevos miembros en la banda y contar con la producción del experimentado Gary Usher. Se fueron pues al Music Row de Nashville (zona sudeste del centro de la ciudad), de la mano de Clarence White, donde la banda acompañada por algunos músicos de estudio grabaron versiones de canciones de los cincuenta, aunque alguna de esas canciones fueron grabadas o terminadas en L.A. después de las sesiones de Nashville. Estas incluyen dos versiones de Dylan de corte country de su por aquel entonces no publicado Basement Tapes (You Ain't Going Nowhere y Nothing Was Delivered), algunas versiones de country clásico (I Am A Pilgrim, The Christian Life o Blue Canadian Rockies), otras versiones de country contemporaneo (Life In Prison, You Still On My Mind), un éxito de la compañía Stax (You Don't Miss Your Water), tres canciones originales de Parsons (Hickory Wind, Lazy Days y One Hundred Years From Now), una original de Kelley (All I Have All Memories), el Pretty Boy Floyd de Woody Guthrie, el clásico folk Pretty Polly y el You Got a Reputation del cantautor folk Tim Hardin.

Durante la grabación del disco la banda apareció en el Grand Ole Opry. Recibida inicialmente con el escarnio de una audiencia conservadora, la versión de Merle Haggard Sing Me Back Home fue acogida calurosamente. Cualquier esperanza de salvar la oportunidad fue inmediatamente aniquilada cuando Parsons en vez de cantar la canción Life In Prison de Haggard que el presentador anunció, se lanzó con Hickory Wind dedicada a su abuela. La salida de protocolo dejó de piedra a los organizadores del Opry e incluso el presentador avergonzado intentó asaltar a algunos Byrds en el backstage.

Cerca del desastre fue la aparición del grupo en el programa de la WSM del legendario DJ Ralph Emery, que continuamente se burlaba en la entrevista e inicialmente se negó a poner el vinilo de You Ain't Going Nowhere. Finalmente pinchó el disco y lo tachó de mediocre por completo en abierto y con la banda presente. Claramente molestos con el trato, a la vuelta a L.A., Parsons y McGuinn hicieron de Emery el objeto de burla en la canción Drug Store Tuck Drivin' Man (es un camionero de droguería, es el líder del Ku Klux Klan... aunque se sabía que Emery no era del Klan).

La post producción del disco fue turbulenta. La aparición de Parsons en el disco fue impugnada por Lee Hazlewood, que decía que técnicamente el cantante seguía bajo contrato de su compañía. Mientras se resolvía el problema, Parsons grabó la voz principal de Hickory Wind y You´re Still On My Mind y McGuinn finalmente reemplazó con su propia voz tres de las canciones que cantaba, hecho que enfureció a Parsons que a finales del 73 diría en una entrevista que 'McGuinn las borró e hizo el mismo las voces y la jodió'. Según el productor Usher, McGuinn estaba un poco tenso por la posibilidad de que Parsons ganara protagonismo en el disco, de que el disco se convirtiera en un disco de Gram Parsons más que de los Byrds. Ellos querian mantenerlo realmente pero había problemas legales y al final el disco quedó como Parsons, McGuinn, Hillman y él quisieron.

La estela inicial del disco fue muy corta. Después de un puñado de conciertos en el áres de L.A., la banda embarcó en una gira europea. Las grabaciones revelan un esquizofrénico conjunto de canciones de Nashville psicodélicamente orientadas. Una desincronizada actuación en televisión mostró a Parsons imitando a McGuinn solo al dobro cantando Eight Miles High. Entre conciertos se dedicaba a visitar Stonehenge y a su buen amigo Keith Richards.

Los Byrds fueron obligados a hacer una gira por Sudáfrica y fue entonces cuando Parsons anunció que no iba en protesta por el Apartheid, a pesar de que McGuinn tenía garantías (falsas) de los promotores de que los conciertos serían integrados. Algunos miembros de la banda dudaron de la sinceridad de la protesta de Parsons y finalmente Hillman y McGuinn lo expulsaron de la banda al regreso a Estados Unidos (ficharon un guitarra rítmico provisional para la gira). Finalmente fue reemplazado por Clarence White. Kevin Kelley pronto dejó también la banda dejando de nuevo el futuro de la misma en manos de Hillman y McGuinn.

El lanzamiento de Sweetheart Of The Rodeo, la inmersión de los Byrds en el country, supuso un declive comercial. El álbum sólo alcanzó el puesto 77 en las listas de ventas mientras que el single You Ain't Going Nowhere alcanzó el puesto 74. En el Reino Unido ni apareció en listas.

Aunque fue una propuesta poco comercial, Sweetheart Of The Rodeo demostró ser el mayor punto de referencia para el country-rock, y sigue siéndolo hoy en día, incluso fue el punto de partida de los Flying Burrito Brothers de Hillman y Parsons. Está considerado como el último album realmente influyente de los Byrds.

Tracklist
"You Ain't Going Nowhere" (Bob Dylan) – 2:38 "I Am a Pilgrim" (trad. arr. Roger McGuinn & Chris Hillman) – 3:42 "The Christian Life" (Charles Louvin, Ira Louvin) – 2:33 "You Don't Miss Your Water" (William Bell) – 3:51 "You're Still on My Mind" (Luke McDaniel) – 2:26 "Pretty Boy Floyd" (Woody Guthrie) – 2:37 "Hickory Wind" (Gram Parsons, Bob Buchanan) – 3:34 "One Hundred Years from Now" (Parsons) – 2:43 "Blue Canadian Rockies" (Cindy Walker) – 2:05 "Life in Prison" (Merle Haggard, J. Sanders) – 2:47 "Nothing Was Delivered" (Bob Dylan) – 3:34

Músicos

Roger McGuinn - banjo, guitarra, voz
Chris Hillman - bajo, mandolina, guitarra, voz
Gram Parsons - guitarra, voz
Clarence White - guitarra, voz
John Hartford - banjo, guitarra
Lloyd Green - steel guitar
Earl Ball - piano
Jon Corneal - batería
Roy M. "Junior" Husky - bajo
Kevin Kelley - batería, voz (en "All I Have Are Memories")
Jay Dee Maness - steel guitar

Producción

Adam Block - Director de proyecto
Gary Usher - productor
Charlie Bragg - ingeniero
Roy Halee - ingeniero
Jo Mora - Diseño de portada

TIFT MERRITT

Llevo unos dias escuchando en el coche un disco que me ha encantado. Es el disco debut de una chica de Huston, TX, Tift Merritt, guitarrista de acompañamiento en algunas bandas durante mucho tiempo. Al ser descubierta por Ryan Adams, se lanza con un disco en solitario llamado Bramble Rose (Universal-2002).

Destacan para mí algunas canciones como: Virginia, No One Can Warn You (http://www.youtube.com/watch?v=lZku00m_6wo), Bramble Rose, Diamond Shoes y especialmente me gustó Are You Still In Love With Me, a lo Patsy Cline.

http://boomp3.com/listen/c29smcmgs_t/are-you-still-in-love-with-me

Después de todo lo que te dije,
Después de cómo dije que sería,
Después de todo lo que hice por herirte,
¿Sigues enamorado de mí?

¿Sigues enamorado de mí?
¿Sigues enamorado de mí?
¿Sin mis besos estás solo?
¿Sigues enamorado de mí?

Cuando caminas por calles extrañas
Cuando paras y miras por ahí,
Cuando piensas en el mañana
¿Sigues enamorado de mí?

MIS PRIMEROS DISCOS

Mis primeros recuerdos musicales son muy vagos pero hay varias anécdotas que me recuerdan mis padres algunas de ellas curiosas.

Tenía yo cuatro años y mi hermano cinco. Fin de curso y nuestros padres nos quieren hacer un regalo. '¿Qué queréis?' Respuesta inmediata, 'un disco'. Nos encaminamos a Long Play, mítica tienda de discos del centro que mantuvo su cartel hasta que una franquicia de fotografía tuvo la desafortunada idea de sustituirlo. Una señorita nos atiende. 'Los niños, que querían un disco'. Ella contesta, '¿Enrique y Ana, Los Payasos, Parchís...?' A lo que respondo yo con cuatro años y muy mal genio '¡No, no, no! ¡The Police... ese negro, el nuevo!'. No recuerdo la cara que puso la chica pero seguro que fue genial. Se trataba del Ghost in the Machine de The Police. Ese fue mi primer disco. Bueno, no rigurosamente porque antes de eso, mi primo me regaló un single de The Police (Walking on the Moon / Visions of the Night) por cruzarme a nado la piscina a lo ancho, 5m.

Por aquella época andaría yo en parbulario (o parbulitos como decíamos entonces) y un día la profesora, Mari Tere, habló con mi madre. 'Lo de tu hijo no es normal', '¿Qué le pasa?', 'Pues que mientras todos juegan con la plastilina él se sube al estradillo con el recogedor y se pone a cantar... ¡pero es que canta canciones de los Beatles!'. Pues sí; por lo visto me sabía todo el disco rojo de memoria (The Beatles 1962-1966).

Otro recuerdo que tengo de ese disco, algo más avergonzante, es de un día por esa época de estar escuchándolo en el campo y tener ganas de ir al servicio. Por no dejar de oirlo me lo hice todo encima (no doy más detalles).

El resto de discos mis recuerdos son más difusos. Por ejemplo, creo recordar que mi segundo disco fue Whatever You Want de Status Quo y el London Town de los Wings, al año siguiente, por navidades y, lo mismo, mis padres... '¿qué quereis?'; respuesta 'un disco'. De este disco recuerdo el poster que traía dentro, con una foto en vertical de Paul y Linda McCartney con Denny Laine. Un año colgamos en el cuartillo todos los posters que traían los discos. Al final los perdimos todos.

Era curioso lo difícil que en esa época se hacía escoger un disco. Pensad por un momento vuestras vidas sin internet, sin CD's, sin el emule, sólo con vinilos y cintas de cassette, algunos afortunados teníamos equipos con doble pletina y podíamos pasarnos música y hacernos recopilatorios, todo un arte.

El diseño de un recopilatorio. Te comprabas la cinta, cogias un papel y empezabas a escribir los títulos de las canciones que te gustaría meter. Una tras otra sacabas una lista y apuntabas los tiempos al lado porque te las tenías que ingeniar para que durara o 60 minutos o 90, y la cinta había que aprovecharla al máximo. Luego, una vez eliminadas las que no cabían, venía lo mejor, ordenarlas. Había ciertas posiciones privilegiadas como eran la primera del disco, la última de la primera cara, la primera de la segunda cara y la última del disco. El siguiente paso era puro arte, la bajada de aguja en el sitio exacto, mantener presionado el pause hasta el momento preciso... una tras otra hasta acabar el riguroso orden del papel. Por último llegaba el momento de escuchar el resultado. Disfrutar de 'tu disco' perfecto mientras escribías los títulos en la carátula y a veces hasta ponías la portada del disco recortada de un Discoplay.

Otro disco de la época fue el Quo de Status Quo. De este recuerdo ir con mi padre a Correos al centro a recoger el paquete. Creo que fue una de nuestras primeras compras por catálogo, evidentemente a Discoplay.

Luego vendría otro verano y con él otro disco. Por aquel entonces empezamos a pedir uno cada uno. Ya teníamos nuestras preferencias y las de mi hermano eran muy claras, los Bee Gees. Best Of Bee Gees era uno de esos discos imprescindibles. A mi me regalaron el Tug Of War de Paul McCartney. Recuerdo a mi primo entregándomelo por la reja de la ventana, ya que en la hora de la siesta mis padres nos encerraban en casa para no acercarnos a la piscina.

Recuerdo también a mi primo con el disco azul de los Beatles (The Beatles 1967-1970) que por aquel entonces no me gustaba mucho e incluso pensaba que eran otros Beatles, a mi me gustaban los Beatles del rojo.

Recuerdo también a nuestro primo mayor regalándonos el Spirits Having Flown de los Bee Gees que se abría como si fuera un doble y tenía una foto super-gay de los hermanitos con peinados ochenteros de peluquería y una pinta de 'angeles' que los hacían parecer 'divinos'. Esta era la música que escuchaba en mi infancia, Bee Gees, Beatles, Status Quo, ELO, Police, y luego vinieron Orquesta Mondragón, Ilegales, Spandau Ballet, Siniestro Total, Golpes Bajos... y un largo etc...

LAURA CANTRELL

Disco debut de Laura Cantrell. Año 2000, título Not The Tremblin' Kind. Laura Cantrell posee el brillo de una voz clara y joven y la inteligencia y fortaleza de una voz madura. Irrumpe en escena con un album que presenta una gran voz, unas letras interesantes y un excelente gusto en los músicos y letristas. Cantrell sin embargo, ha seguido unos pasos poco habituales para ser una nueva estrella de la música Americana.

Al revés que todo el mundo, se trasladó de su hogar en Tennessee a Nueva York, donde estudió derecho y contabilidad en la universidad, e hizo malabares para costearse sus estudios trabajando como músico y dj. Nació y creció en Nashville. Su padre era abogado y ella en principio quería seguir sus pasos. Sin embargo, de adolescente, reveló un gran interés por la música, y antes de dejar Tennesse para ir a la Universidad de Columbia trabajó un verano como guia en el Country Music Hall Of Fame. Ese trabajo despertó en ella el interés por los sonidos del country clásico de los años 30's 40's y 50's.

Mientras estuvo en Columbia se involucró en la radio con un programa que alternaba sonidos country clásicos y nuevos y además se sumergía en la escena musical alternativa. Descubrió que le gustaba cantar y comenzó a hacer apariciones ocasionales en clubs con músicos amigos suyos. Grabó en 1990 sus primeros coros en un disco. Se centró en la radio y llegó a tener un programa de gran audiencia poniendo música country. En 1996 graba un EP para un sello local, sin repercusión.

Mantenía su pasión por la música mientras trabajaba en la oficina de un banco haciendo declaraciones de la renta. En 1999 graba su primer LP, Not The Tremblin' Kind, producido por Jay Sherman-Godfrey, miembro de los World Famous Blue Jays (grupo liderado por su marido Jeremy Tepper). El disco tuvo pronto muy buena acogida y excelentes críticas.

El album lo forman canciones propias así como versiones de compositores poco conocidos como Amy Allison, George Usher, o Bob McCreedy, resultando una mezcla evocativa de country neo-tradicional. Destaco la canción de Usher que da título al disco, Not The Tremblin' Kind, con una letra reivindicativa; de Cantrell quizás la más bonita es Queen Of The Coast, y de McGreedy me encanta Two Seconds.

Dos Segundos

Conocí a un chico en una ciudad de la costa oeste,
tenía cuatro paredes para echarlas abajo,
y a veces hablaba de ti,
del modo que tú lo querías.
De madrugada tenía recuerdos,
de los labios que solía besar
y de sus manos en tus caderas.
¿Por qué no le escribes?
Porque estoy casi segura,
que se está volviendo loco...
... por dos segundos de tu amor.

Dos segundos de tu amor,
es todo lo que necesito de ti
Dos segundos de tu tiempo,
son suficientes para decir que hemos terminado
Dos latidos de tu corazón,
suficiente para saber que nunca nos separaremos
Dos segundos de tu amor,
es todo lo que siempre quise.

Nunca pensé que tuviera que ir tan lejos,
perdió su trabajo y robó un coche.
Y está regresando a ti,
del modo en que tú lo querías.
De madrugada tengo recuerdos,
de los labios que solía besar
y de tu mano sobre mi muñeca,
¿Por qué no me escribes?
Porque estoy casi segura,
de que me estoy volviendo loca...
... por dos segundos de tu amor.

En definitiva, una sólida producción con un repertorio de excelentes músicos conforman un album de Americana de primer nivel,con un pie en el pasado y otro en el futuro.

KATIE MELUA

La belleza de Katie Melua sólo es comparable con la dulzura de su voz privilegiada y moldeable, capaz de interpretar con el matiz adecuado composiciones que giran en torno al blues, el jazz o el soul. Katie nació en 1984 en Georgia pero a los ocho años se trasladó junto a su familia a Irlanda del Norte donde a los 15 años fue descubierta para un programa de televisión a la caza de talentos. Desde entonces se dedicó a estudiar en la Brit School for Performing Arts, donde el compositor y productor Mike Batt se fijó en ella y la introdujo en el mundo discográfico. Su carrera está salpicada de felices encuentros con productores y músicos que la han ayudado a posicionarse en los más alto de las listas inglesas y darse a conocer al mundo. No obstante Katie siempre trabajó duro y no se ha conformado con ser una voz bonita al servicio de los demás. Desde 2001 también compone y posee un pequeño estudio en su casa desde el que trabaja en sus nuevas canciones.

Su álbum debut como solista fue “Call Off The Search” en noviembre de 2003 y la acogida no pudo ser más cálida, ya que Katie copó casi de inmediato los primeros puestos de las listas británicas. En 2004 la vimos junto al otro niño prodigio del nuevo jazz, Jaimie Cullum, conformando un dueto memorable que interpretaba “Love Cats” de The Cure en los Brit Awards 2004. Parece que Katie se encuentra entre los múltiples fans de la banda de Robert Smith y prueba de ello es que en este último disco interpreta una versión de “Just Like Heaven”.

Su segundo disco, Piece By Piece , es un LP con una excelente producción en el que encontramos doce grandes temas, algunos de ellos firmados por la propia Katie Melua. Como decía al principio, la versatilidad de Katie como vocalista está presente en todo el disco pero además, esa capacidad de abordar diversos géneros y matices siempre va acompañada por una sensibilidad transmitida con sencillez.

Piece by Pice, es un disco bonito, evocador y si se me permite, cargado de sensualidad musical. Sorteando cualquier tentación melosa, Katie es capaz de imprimir el tempo y tono preciso a las canciones haciendo válido el concepto de intérprete que a veces se aplica con demasiada ligereza a muchos cantantes. Con unos arreglos musicales certeros y austeros, la voz de Katie es la protagonista de las composiciones, pero esa omnipresencia es tan grata que no cejamos en el deseo de oír el siguiente corte. Sus registros son ricos y se suceden sin estridencias y las letras tienen un punto de dulzura y romanticismo que sin embargo esquivan con delicadeza la sensiblería. Por eso las escuchas de este Piece by Piece se pueden suceder en un grato bucle que nunca agota.

Katie observa desde la ventana de un café a un chico tímido a ritmos de jazz o describe lo insignificantes que podemos ser ante nueve millones de bicicletas de Beijing, una pequeñez de la que nos redime nuestros sentimientos, todo ello expresado con aires folkloricos entre irlandeses y orientales. El tema que da título al disco Pice By Pice, me parece uno de los logros del disco, un tema que además está firmado por la propia Melua y que es una delicada pieza que ejemplifica mucho de lo dicho hasta ahora sobre esta artista: una solvente capacidad vocal al servicio de la interpretación de una letra evocadora y una música ligera con arreglos sencillos, pero muy efectivos.

Así podría detenerme en todos los temas del disco en los que Katie va mostrando su versatilidad como vocalista en géneros como el blues más seductor (Blues In The Night), o el soul de Blue Shoes (aunque recuerde esa forma de cantar a lo “Calling You”) o algún escarceo con el country más digerible en On the Road Again.

El caso es que Piece By Piece me parece un buen disco que no paro de escuchar cuando estoy en busca de sosiego y de soledad elegida. Creo que Katie Melua tiene una gran carrera por delante, no me sorprendería que su nombre brille aún más a nivel mundial, ni de que algún día haga un tema espectacular en una película de James Bond, si es que la serie es recuperable, o que ingrese en el hall of fame de las grandes voces femeninas... mientras tanto yo me quedo disfrutando corte a corte de este pedazo de disco.

Daniel Vega

GILLIAN WELCH

Gillian Welch apareció por primera vez en la escena folk como una joven cantante y compositora con una voz y una sensibilidad muy por encima de su edad, ganándose la aclamación de todos por su destreza, y evocando los estilos musicales más propios de primeros de siglo XX.

Nació en Manhattan y creció en Los Angeles. Desde joven estaba fascinada por el bluegrass y los inicios del country, en particular por los Stanley Brothers y la Carter Family. A primeros de los 90's acude a una escuela de música en Boston donde empieza a interpretar su propio material, así como canciones de country tradicional y bluegrass, formando dúo con otro estudiante, David Rawlings.

En 1996, junto con Rawlings y con la producción de T-Bone Burnett graba su primer álbum llamado Revival para el sello Almo Sounds. El album se divide entre interpretaciones desnudas (algunas grabadas incluso en mono para capturar un sonido más auténtico) y otras más producidas contando con músicos de sesión de la talla de James Burton o Buddy Harmon.

Después de ver la portada del disco y escuchar los dos primeros cortes, Orphan Girl y Annabelle, no puedes más que imaginarte que han encontrado las grabaciones de una chica de primeros de siglo XX que estaban perdidas en el tiempo o que han reeditado material de algun pariente lejano de la Carter Family.

Aquí dejo una actuación en el Grand Ole Opry interpretando Annabelle.

Tengo arrendados veinte acres y una mula Jenny
del fondo de compensación de Alabama
La mitad de algodón y un tercio de maiz
comido por el polvo.

Y no podemos tener nada para complacernos
No importa cómo lo intentemos
Hasta que hayamos ido a Jesus
sólo podremos preguntarnos por qué.

Tengo una hija llamada Annabelle
Es la niña de mis ojos
He intentado darle lo que yo nunca tuve
No quiero oirla nunca llorar

Cuando muera y me entierren habré llevado una dura vida de lágrimas
por cada día que recuerdo
Anna está en el cementerio, no tiene vida ninguna
sólo tiene estas palabras en una piedra

Otra joya del youtube, con banda interpretando a la Banda.

Un debut excelente.

NORAH JONES

Album debut de Geethali Norah Jones Shankar, Come Away With Me. Estamos en 2002 e irrumpe en escena una chica de 23 años (1979), hija del famoso sitarista Ravi Shankar, conocido en occidente por ser amigo de George Harrison.

La influencia musical materna se hace patente en el disco y, a la postre, en toda su carrera. Escuchaba discos de Billie Holiday, Etta James, Aretha Franklin, Ray Charles, Bill Evans, Joni Mitchell... y cómo no Hank Williams, Jimmie Rodgers, Doc Watson o Willie Nelson a los que su abuela adoraba.

Con siete años ya estudiaba canto, piano y saxofón aunque era un poco vaga. En Dallas, en el instituto entró en contacto con el jazz y montó su primer grupo. Ya cantaba regularmente en un restaurante italiano. Abandona Texas para marchar a la gran manzana donde conocería al contrabajista Lee Alexander y a otros músicos con los que formó banda regular en el club nocturno The Living Room. No tardaron en ficharla y grabó este primer álbum para Blue Note. Más de 35 millones de copias en todo el mundo, y arrasó en la 45 edición de los premios Grammy en 2003 llevándose hasta 8 estatuillas.

Pero esto no es lo más espectacular del disco. El propio disco supera cualquier cosa de las mencionadas anteriormente. Desde la primera a la últma canción. Una 'superproducción' de Arif Mardin, el productor de multitud de artistas como John Prine, Barbra Streisand, Queen, Aretha Franklin, Culture Club, David Bowie, Jewel, Ringo Starr por no decir que fue quien, grabando el album Main Course de los Bee Gees, descubrió el falsete de Barry Gibb.

Destaco sobre todo las siguientes canciones: Don't Know Why, single con el que se dió a conocer, la espectacular versión de Hank Williams de Cold Cold Heart, Come Away With Me, compuesta por ella, y Lonestar, de Lee Alexander. En total 14 canciones que se mueven en la imposibilidad de clasificarlas, aires de jazz, notas de country, melodías pop, todo ello mezclado con un gusto exquisito.

La chica además de hacer lo que acabas de oir, es actriz. Protagoniza junto con Jude Law el film Blueberry Nights.

El pasado verano tuve el inmenso placer de hacerme más de 800 km para ir a verla al festival de jazz de Vitoria-Gasteiz. Una noche inolvidable en Mendizorroza.

Una artista con mayusculas que seguirá dando mucho de que hablar.

BILLY JOEL

Seguimos con los álbumes debut y nos fijamos esta vez en Billy Joel. Fué en 1971 cuando Family Productions publica un álbum, Cold Spring Harbor, que por un error en la masterización se oye más rápido de como se grabó. Posteriormente en 1983 se publicó remasterizado y remezclado por el productor Artie Ripp ya a la velocidad adecuada, pero sin involucrar a Billy Joel.

El disco arranca con la inolvidable She's Got A Way y destacan además Turn Around y por supuesto Everybody Loves You Now de la cual traduzco (lo mejor que puedo) la letra y acompaño un video en directo de la misma. Me encanta ese arranque de guitarras acústicas y piano... impresionante.

Pequeña, todas las luces apuntan hacia ti
Ahora estás en el centro del escenario
Todo gira en torno a lo que haces
Ah, estás en tu momento
Te has hecho mayor de edad
Siempre podrás hacer tu carrera de alguna manera
porque todo el mundo te quiere ahora.

Puedes alejarte de tus errores
Puedes dar la esplalda a lo que haces
Solo una pequeña sonrisa es todo lo que te cuesta
y puedes tener tu pastel y comertelo también
La soledad te llegará de algún modo
Pero todo el mundo te quiere ahora.

Ah, todos quieren tu cuerpo blanco
Y aguardan tu respuesta
Ah, pero entre tú y yo y
el Staten Island Ferry, qué hago entonces.

Todo el mundo quiere conocer tu nombre
Pronto habrá vallas junto a tu puerta
Los sentimientos no importan en tu juego
porque nada va a tocarte nunca más
por eso tu vida sólo se vive de esta manera
y todo el mundo te quiere ahora.

Cierra tus ojos cuando no quieras ver
y quédate en casa cuando no quieras ir
habla sólo con quien estará de acuerdo
Yeah, y cierra tu mente cuando no quieras saber
Has perdido tu inocencia de algún modo
Pero todo el mundo te quiere ahora.

Ah, sabes que nada dura para siempre
y que todo ya se había hecho antes
Ah, pero no tienes tiempo
para ir a Cold Spring Harbor, nunca más.

Mira cómo todo el mundo se junta alrededor
Hey, ¿no es emocionante verlos en multitud?
mantén tus ojos por delante y no mires abajo.
Yeah, y enciérrate dentro de tu muro sagrado
Es lo que querías, ¿no estás orgullosa?
porque todo el mundo te quiere ahora.

Resulta curioso que en estos momentos me venga esta canción a la mente. Un disco de estreno y ya advierte contra la soberbia de esa fama precoz. Humildad que te puede llevar a una larguísima carrera plagada de canciones que ya están en las mentes de todos... por citar alguna, Piano Man o Uptown Girl.

Seguiremos buscando más primeros discos de artistas, de artistas con mayúsculas.

JACKSON BROWNE

No es habitual que un solo álbum sea suficiente para colocar a un nuevo intérprete entre los primeros puestos del ranking de artistas. El esperado album debut de Jackson Browne introduce a su autor con la misma autoridad que lo hiciera un Astral Weeks (Van Morrison), un Gasoline Alley (Rod Stewart), o un After The Gold Rush (Neil Young).

La sensibilidad de Jackson Browne es romántica en el mejor sentido del término: sus canciones son capaces de generar una fascinante y cargada atmósfera en su totalidad, e igualmente importante, permanece así en la mente del oyente mucho después de su escucha.

No te lo pierdas (RS 103)

Esta sensación la describía Bud Scoppa en su crítica en la revista Rolling Stone, allá por 1972, cuando el primer álbum de Jackson Browne salía a la luz sin título pero conocido por todos con el nombre de 'Saturate Before Using'. Ciertamente pocos debuts alcanzan tal grado de madurez.

Escuchaba este disco esta mañana en el coche mientras iba a trabajar y no he podido evitar darle varias veces al botón para repetir una de las canciones del disco: Song For Adam. Y empiezo a escuchar con atención la letra de la canción y, bueno, como mi inglés no es muy bueno del todo estaba deseando llegar al trabajo y leer detenidamente la letra de la canción. De pronto una sensación de escalofrío me recorre el cuerpo al sentir que alguien ha puesto una letra perfecta y una música adecuada a ella a algo que una vez viví: la pérdida de un amigo.



Aunque Adam fuera amigo mío, yo no lo conocía bien.
Estaba solo en su distancia, estaba sumido en su bondad
Podría adivinar de que se reía, pero realmente no podría decirlo.
Ahora la historia que se cuenta es que Adam saltó, pero he estado pensando que él se cayó.


Viajábamos juntos, cuando recibimos la llamada.
Su destino la India, pero no así el mío.
Sigo recordando las risas apoyados en la pared
tan libres de temor, nunca pensamos que uno de los dos caería.



Me siento delante de mi única vela, pero es una luz demasiado débil para encontrar mi camino.
Ahora esta historia se desarrolla delante de mi vela,
la cual es más corta a cada hora que se acerca el día.
Pero me siento como una vela en el camino.
Supongo que estaré allí, pero no podría decirlo con seguridad.



Cuando nos separamos seguimos riéndonos, como eran nuestras despedidas.
Y nunca más tuve noticias de él y de cómo iban nuestras vidas.
Excepto una vez en una carta de otro que leí,
oí las repentinas palabras de que un amigo mío había muerto.

Me siento delante de mi única vela, como un peregrino se sienta en el camino
Ahora este viaje aparece delante de mi vela.
Como una canción que crece débil, la más dura que he tocado
Pero tengo miedo de desvanecerme cuando acabe.
Pero supongo que estaré allí, pero no podría decirlo con seguridad.



Aunque Adam fué amigo mío, no lo conocí mucho tiempo.
Y cuando permanecía junto a él, nunca pensé que sería tan fuerte.
Sigue pareciendo que paró de cantar a mitad de su canción.
No soy quién para decirlo, pero espero que estubiera equivocado.

Sostengo mi única vela, aunque sea poca luz para encontrar mi camino.
Ahora esta historia ha sido puesta bajo mi vela,
que es más corta a cada hora que se acerca el día.
Sí, me siento como una vela en el camino.
Espero estar allí, pero nunca rezo.



A Joaquín...